Resumen de exposiciones en el Casal Solleric 2024

La programación del Casal Solleric comenzaba el 1 de febrero y duraría hasta el 31 de marzo, con “Breaking the Monument” una exposición que contaba con María María Acha-Kutscher, Ana Laura Aláez, Manal Al Dowayan, Ghada Amer, Zoulikha Bouabdellah, Kimsooja, Claudia Peña Salinas, Marinella Senatore.

Una selección de obras de artistas que provienen de contextos muy diferentes y que diversas maneras atacan al poder de las imágenes preestablecidas, de las que se manipulan y condicionan que nos limiten, que nos reprueben y nos censuren. Un conjunto de artistas que traajn desde la sutileza aunque también desde la iconoclastia y la subversión de los símbolos, creando imágenes de resistencia desde la emoción. Comissaris: Santiago Olmo i Fernando Gómez de la Cuesta Coproduïda amb el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC).

Del 1 de febrero al 14 de abril se pudo contemplar en el ShowCase, en el patio y en el balcón “La habitación roja” de Bernardí Roig. Una adaptación del artista a los espacios del Casal Solleric para la exposición y especialmente para la pieza “La máscara del ciervo”, haciendo uso de la periferia del edificio.

Del 23 de marzo al 26 de mayo el Casal Solleric acogía la muestra de Tomeu Ventayol “Retrospectiva”, permitiendo un viaje por la trayectoria de este artista que nacía en Alcudia en 1945 y que desde que irrumpiera en la escena artística a finales de los ochenta no ha parado de experimentar., destacando esos rasgos que se han mantenido a lo largo de los años, la austeridad formal y la extrema simplicidad compositiva y a medida que el tiempo avanzaba nacía su pasión por la tridimensionalidad lo que le conduciría a desarrollar una intensa actividad escultórica en paralelo. Ventayol absorbe de la abstracción geométrica, del informalismo, del expresionismo abstracto, del land art, de la abstracción geométrica y aunque en alguna ocasión tome como referencia una figura humana, un paisaje o un rostro, siempre le acompaña un proceso esencial de sintetización. Comisarios: Cati Vallespir y Joan Carles Gomis.

23 marzo - 26 mayo 2024, en el Aljibe se mostraba el trabajo de Tony Oursler titulado “Perpetual mutation. Tony Oursler nace en Nueva York en 1957 y se le define como a un artista multimedia que se ha especializado en videocreaciones, en performances y instalaciones. Se licenció en Bellas Artes en 1979 en el California Institute of Arts y acabó sus estudios en el College of Fine Arts de la Universidad de Boston. Su manera de combinación de escultura, video y performance es innovativa y eso le ha aportado reconocimiento a nivel internacional.

Decir Toni Oursler es decir la luz en cada una de sus variantes como elemento imprescindible en sus obras más relevantes. X.B. Nacido en New York en 1957, Tony Oursler es uno de los artistas más importantes del videoarte actual a escala global. Sobre todo por su capacidad de mutar y reinventarse. Perpetual Mutation, primera muestra del artista en una institución española en dieciséis años, pretende acercarse a esa versatilidad. Para ello, en el Casal Solleric se muestran cuatro video-instalaciones escultóricas y dos obras de pared de reciente producción en las que despliega sus obsesiones, donde lo amorfo ayuda a pensar que el espacio del aljibe lo habitan fantasmas que brillan y hablan. En Can Balaguer se exhibe el despliegue de un archivo: The Influence Machine.

Una recopilación de imágenes y documentos audiovisuales de una serie que vertebra las últimas dos décadas del trabajo de Oursler, en la que el artista interviene en jardines públicos de todo el mundo (Nueva York, Londres, París...) donde nos ofrece una mirada eco-sistémica que nos recuerda que allí, en el jardín, también se manifiesta nuestro pasado y se proyecta nuestro futuro.

Del 11 de abril al 9 de junio se pudo visitar la obra de Luis Gordillo “Constantes Vitales”, una de sus propuestas expositivas más completas y la mayor exposición que el artista ha realizad en nuestras Illes Balears. La obra reúne algunos de sus trabajos principales del siglo XXI con un carácter activo. Al mismo tiempo, esta revisión considera en profundidad las líneas de investigación más destacadas de este periodo final, dando especial importancia a sus implosiones dibujísticas, su persistente obsesión por las caras y la aparición en estos años de extensos collages fotopictóricos.

El planteamiento general de la exposición es dialéctico y no cronológico. Hay guiños continuos a pintores del pasado, desde Durero a Rembrandt pasando por El Greco o Goya. Con los murales, se rompen los límites entre lenguajes y se añaden recursos de distinta procedencia, son una ampliación evolutiva de sus collages, pero con una vitalidad más concentrada e intensa, poseen algo híbrido que linda con lo pictórico.

Desarrollos horizontales Al principio de su carrera, estos desarrollos horizontales los hacía garabateando formas sobre un papel, que pasaban de un folio a otro, o de una página a la siguiente si era un cuaderno. Esta manera de trabajar era un modo de dejar salir cosas fuera, ya sean mentales o emocionales, característico de sus series iniciales en tinta china concebidas en París (Abstracciones, 1959-60). Para Luis Gordillo los nombres de las exposiciones, los cuadros, las series son esenciales, los entiende como una especie de aforismo que condensa ideas en torno a lago relacionado con ese trabajo en concreto, sus circunstancias vitales y el estado de ánimo predominante en ese momento. Se toma muy en serio este bautismo, es algo a lo que le da muchas vueltas.

En algunos casos, los menos, la denominación sale espontáneamente, sobre la marcha. En otros, se hace rogar. Lo habitual es escribir muchas posibilidades a modo de tormenta de ideas sobre un papel, dejar que fluyan sin control las palabras para luego con calma elegir la que cree más acorde. Cuando decide un nombre definitivo para una pieza determinada, se completa su ciclo en el taller. Cualquier obra necesita un buen título, es algo constitutivo, fundamental. Ese apotegma es como una radiografía, cuenta mucho.

A veces da con el título que considera adecuado y otras se queda con el mejor, no es una tarea fácil encontrar esa correlación lírico- pictórica. Realmente, no sólo designa el cuadro que empieza existir, sino que el artista siente que ese colofón es un estrambote imprescindible que añade un matiz necesario que le insufla carácter, personalidad. Esa nota poética arropa la obra y hace como si la metiera en un envoltorio invisible especial que la proteja. Comisarios: Sema D’Acosta – Fernando Gómez de la Cuesta

Del 6 de junio al 13 de octubre en la Planta baja y entresuelo del Casal Solleric y Can Balaguer se exponía una colectiva a modo de ensayo bajo el título”Prender la mirada (Un ensayo sobre pintura contemporánea)” con la participación de los artistas Mati Klarwein, Rafa Forteza, Barbara Weil, Mercedes Laguens, Tomás Pizá, Jorge Diezma, Bel Fullana, Román Fabré, Tomáš Absolon, Thomas Perroteau, Ian Waelder, Joan Canyelles, Alba Suau, Adrián Martínez, Maite y Manuel y Mercedes Balle.

Por una parte, se aproxima a la reflexión y la construcción de pensamiento por escrito. Por otra, lo hace a la repetición y al posible error, pero en el camino hacia perfeccionar algo. En ambos casos, la palabra denota proceso y una cierta inclinación al problema. Esta exposición es un ensayo, en el sentido en que trata de reflexionar y problematizar la pintura, pero también otras cuestiones como la relación con las convenciones artísticas, con el territorio y el sentido de pertenencia a un lugar. El recorrido por la exposición nos conduce así a una práctica pictórica expandida e incluso desmaterializada: una pintura que termina por desaparecer mientras busca sus propios límites. (Fragmento del texto de Esmeralda Gómez Galera Palma, 2024)

Del 20 de junio hasta el 8 de septiembre el artista alemán Frank Gerritz presentaba “Then and There” en la planta noble del Casal Solleric. Artista de relevancia internacional cuya obra está presente en destacados museos e importantes colecciones privadas, pero sin duda lo que caracteriza al artista de Hamburgo es la altísima calidad de su obra, el uso predominante del negro, la línea, los cubos y el ángulo recto con la falta de todo ornamento, se ven compensados con la exquisitez del material, la pulcritud del acabado y la precisión de su ejecución.

Todo ello amparado por un cierto misticismo formal y aura espiritual que persigue la distinción mediante la belleza de lo austero, el alejamiento de la estridencia, la pureza de lo sencillo y el rechazo de lo común. Se trata de un artista minimalista con raíces suprematistas y con un importante trasfondo conceptual. En efecto, su obra es minimal por cuanto el negro, la línea, el ángulo recto, la falta de ornamento y la objetualidad de su obra son elementos minimalistas, a la vez que la abstracción, la fuerza, coherencia y radicalidad del negro en defensa de un arte puro la hacen suprematista, pero no olvidemos que en Gerritz hay un ideal excelso de armonía, y una preocupación sin parangón por el aspecto formal y final, donde se eleva la precisión a dogma.

La exposición de Frank Gerritz es gratamente oportuna para experimentar la fenomenología de la percepción, requiere contemplación e invita a la reflexión, todo ello sin duda, enormemente conveniente en tiempos de grandes incertidumbres. Comisariada por Luis Juan de Sentmenat García-Ruiz.

Del 11 de julio al 8 de septiembre se podía contemplar “Las veces” de Lucía Gorostegui. Una intervención site-specific en el antiguo aljibe del Casal Solleric. Esta instalación se centra en la exploración de la percepción de realidad a través de la imagen en relación con el espacio arquitectónico. Gorostegui implementa una serie de elementos que interactúan con la estructura existente, fomentando una reflexión crítica sobre las identidades culturales del espacio.

La obra establece un diálogo sobre la imagen como construcción de relato y generador de realidad, ofreciendo una perspectiva analítica sobre la interacción entre el observador, el entorno construido y la práctica artística contemporánea. En el aspecto visual de la instalación, emplea fotografías y espejos como herramientas para alterar la percepción espacial. Estos elementos visuales funcionan como dispositivos que desafían la interpretación convencional del entorno, creando distorsiones ópticas y perspectivas modificadas.

Los espejos, en particular, actúan como multiplicadores del espacio, generando una sensación de expansión y desorientación que pone de manifiesto la complejidad de los procesos perceptivos. El uso del papel en la instalación sirve como medio para una reflexión teórica sobre los conceptos de archivo, veracidad y memoria. El proyecto plantea interrogantes sobre la naturaleza de la percepción, la construcción de la memoria y la influencia del entorno en nuestras experiencias sensoriales y cognitivas.

En conclusión, Las Veces representa una contribución significativa al discurso contemporáneo sobre la percepción espacial y la práctica artística site-specific. Proyecto ganador de la Convocatoria Abierta de Proyectos Artísticos Comisarios: Cristina Moreno y Antoni Amaya.

21 de septiembre de 2024 – 8 de enero de 2025 se mostraba INTER-ACCIONES de Concha Jerez, ese mismo día era la Nit de l’Art en Palma. Concha Jerez es una de las figuras más importantes del arte contemporáneo español, distinguida con el Premio Nacional de Artes Plásticas y el Premio Velázquez, posee además una extraordinaria trayectoria de exposiciones en museos y galerías nacionales e internacionales entre las que destaca su retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2020).

Las instalaciones de Concha Jerez tienen un carácter más crítico que épico, aunque recurren, ciertamente, a esa interrupción de las emociones y, en general, a los convencionales "juicios de gusto". Unas interferencias que deben ser entendidas como un proceso de extrañamiento deliberado que concluye con la voluntad de intervenir en espacios concretos. Inter-acciones plantea una revisión de los trabajos performativos de Concha Jerez.

Heredera del espíritu de Fluxus, admiradora de la concepción musical de John Cage y, por supuesto, creadora inter-media, lleva desarrollando, desde los años setenta, un proyecto estético en el que la cuestión del tiempo es crucial. En 1984, en Aalborg, Dinamarca, Concha Jerez sintió la necesidad de dotar de visibilidad estas acciones que pueden derivar en performances públicas o en piezas -surgidas de procesos privados o íntimos- que son grabadas en vídeo o documentadas fotográficamente.

Inter-acciones es también la primera exposición individual de Concha Jerez en Palma, una propuesta que permite comprender los aspectos principales de su imaginario crítico, abordando cuestiones como la manipulación de los medios de comunicación, la banalización cotidiana, la necesidad de mantener el impulso utópico, la resistencia al olvido o, en general, los límites de la subjetividad que, en ocasiones, conducen a la auto-censura.

Del 21 de septiembre 2024 al 8 de enero 2025 organizada por el Àrea de Cutura de l’Ajuntament de Palma, se inauguraba coincidiendo con la Nit de l’Art de Palma, “Un ligero Vuelo” de la reconocida artista Cecilia Paredes con una propuesta que presenta una selección de relatos organizados en tres estratos. Uno ubicado en el aljibe nos aadentra en lo telúrico, la intimidad y el silencio, conectándonos a través de plumas, manteles, fotografías de perfomances, con los orígenes.

Una segunda capa empezaba en el ShowCase con una fotografía que mostraba a la artista desnuda, mimetizada en un entorno natural en el que cielo, tierra y agua camuflan el cuerpo pintado, un animal que mira el agua, elemento que evocaba la pieza colocada en el patio, una especie de ser mitológico de más de dos metros de altura que parecía surgir del mundo subacuático.

El tercer estrato en el balcón del Casal Solleric lo ocuparon 25 flores a través de las que Cecilia Paredes nos hablaba de corrupción, de ecología, de cambio y de conexión con lo celestial. Se programaron actividades completarías en las que participó la artista y el público. Cecilia Paredes nació en Lima en 1950 Estudió Artes Plásticas en la Universidad Católica de Lima, en el Cambridge Arts and Crafts School de Inglaterra y la Scuola del Nudo de Roma.En la actualidad vive entre Lima, Filadelfia y en San José de Costa Rica.

El 23 octubre de 2024, se presentaba “Quino en la música” una exposición para rendir homenaje a la figura del dibujante e historietista nacido en Argentina; Joaquín Salvador Lavado Tejón, conocido universalmente como Quino, el historietista más celebrado de Iberoamérica. El motivo fundamental era la coincidencia con el 70 aniversario de la primera viñeta que publicó y los 60 años del personaje Mafalda.

La muestra formó parte de la programación de la nueva edición del Festival Internacional de Còmic de Mallorca 'Còmic Nostrum', organizado por el Clúster de Còmic y Nous Media de Mallorca y que engloba un amplio conjunto de actividades realizadas entre 24 al 28 de octubre. Quino es el seudónimo que utilizaba Joaquín Salvador Lavado Tejón, el humorista gráfico que dio a conocer a Mafalda, una tira cómica publicada entre 1964 y 1973. Quino había nacido en Mendoza en 1932 y allí falleció en 2020. Sus padres eran de Fuengirola (Málaga) y emigraron a Argentina.

Le llamaban Quino para diferenciarlo de su tío Joaquín (ilustrador) la persona que traspasó la vocación del dibujo a su sobrino, siendo muy pequeño. Sus sobrinos, Guillermo y Diego Lavado participarían activamente en la exposición y en actividades complementarias, mediante charlas y visitas guiadas para contemplar los más de 100 originales exhibidos.

Con “Quino es la música” se realizaba un recorrido por su trayectoria y por su obsesión por la música y pasión por la comedia y las reflexiones generadas a través de la creación. Era la primera vez en años que originales de Quino se exhibían en público. Comisariada por Judith Gociol y Guillermo Lavado.